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Esculturas "Niño Pinocho" y "Niño Mickey"
10 Abr 2018

“Disney es fundamental en la Historia del Arte”. Taller Daroal

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Francisco Rovira Yagüe y David Romero Alonso forman un reconocido dúo artístico multidisciplinar. Desde Sevilla, llevan años produciendo y restaurando esculturas sacras bajo el nombre de Taller Daroal. Hace unos meses fueron seleccionados en nuestra II Convocatoria StART Up con una de sus esculturas inspirada en la obra emblemática del animador estadounidense Walt Disney.

– ¿Por qué sentís tanta atracción por Walt Disney ?

En nuestra primera especialidad de Bellas Artes, Imagen (Fotografía, Cine y Vídeo), que cursamos en Barcelona, teníamos una asignatura de cine de animación, temática que nos fascinó y después ampliamos en una escuela privada. Desde entonces nos fijamos en la figura de Walt Disney y en cuanto hemos tenido oportunidad nos la hemos llevado a nuestro terreno. Consideramos que es una página principal de la Historia del Arte del siglo XX.

– ¿Por qué habéis elegido los personajes de Mickey y Pinocho para vuestras creaciones escultóricas?

Hemos empezado por esos personajes por escoger dos, pero habrá más. De hecho ahora estamos trabajando en el siguiente que será Dumbo.

– ¿Qué factor consideráis fundamental para que las galerías del jurado en nuestra convocatoria eligieran vuestra obra?

Me temo que esta pregunta es aún más difícil de responder. Sólo pensarla nos quebraría la cabeza y en todo caso no nos correspondería a nosotros hacerlo. Pero agradecemos enormemente que hayamos sido seleccionados. Significa mucho para nosotros. De verdad.

Obra "Niño Mickey" seleccionada en la II Convocatoria Start Up
Obra “Niño Mickey” seleccionada en la II Convocatoria Start Up

– Muchos artistas consideran que la creación es un acto solitario. ¿Por qué y cuándo empezasteis a trabajar juntos?

Realizamos la carrera juntos y al poco de terminar comenzamos a formar parte de la plantilla de un conocido taller de Restauración en Sevilla. Cuando el taller cerró, permanecimos juntos tres miembros, y finalmente quedamos Francisco Rovira y David Romero, siguiendo los dos hasta hoy.

– ¿Cuáles son vuestros puntos de unión y de separación a la hora de crear?

Aunque trabajemos juntos, cada uno necesita su propio espacio de trabajo ya que cada cual también tiene su propio ritmo, costumbres, manías, etc. Digamos que esto es lo que nos separa. Por el otro lado, la disciplina es lo que nos une. Tratamos de ser muy rígidos en esto a la hora de crear y ejecutar. Una vez conseguido el consenso, ya los dos trabajamos a una.

De todos modos no seguimos siempre el mismo modus operandi. No existe un porcentaje medio de participación en la obra, algo que nos preguntan mucho; en algunas participa más uno, en otras otro, o los dos indistintamente, sin que esto haya supuesto ningún problema. Hasta ahora…

Obra de Francisco Rovira en Exposición colectiva,, "Nuevos Nómadas" Museo de Cádiz
Obra de Francisco Rovira en Exposición colectiva “Nuevos Nómadas” – Museo de Cádiz

– Viendo vuestras esculturas se intuye un gran conocimiento técnico. ¿Podríais describir vuestro proceso de trabajo para la creación de una escultura?

Primero modelamos la escultura siempre en barro. Una vez ahuecada y seca, se cuece en la pieza en el horno y se le aplica una capa de preparación o estuco, sobre la que después asiente la policromía. Enrasada o lijada esa preparación, se policroma, normalmente también se patina y por último se protege con barniz y/o cera. Estas son las fases que seguimos siempre.

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– ¿Pensáis que la escultura y el arte en general requieren del aprendizaje, de técnicas y conocimientos, del “oficio”? ¿Actualmente en los centros de enseñanza artística se da importancia a estas materias?

Nosotros las aprendimos en un centro de enseñanza. En la carrera universitaria de Bellas Artes existen asignaturas específicas de procedimientos pictóricos y escultóricos. Aparte en la especialidad de Restauración (que ambos cursamos) se hace especial hincapié en ellas, ya que su profundo conocimiento es vital para acometer un buen trabajo de restauración. Y naturalmente pensamos que su conocimiento es importante. Aprender el oficio no es cosa de dos días y aunque suene a frase hecha se aprende trabajando mucho y, sobre todo errando, también mucho.

Bien es verdad que el concepto de la obra puede ser de un artista aunque después la realice otra persona distinta, pero no es nuestro caso.

Taller Daroal
Taller Daroal

– ¿Cuáles son las dificultades de mantener un taller propio? ¿Qué tipo de trabajos hacéis en vuestro taller?

En nuestro taller hacemos de todo: pintura, escultura, dibujo, fotografía, diseño y restauración.

Las dificultades son las propias de cualquier profesión relacionada con el arte. La inestabilidad económica es el precio de dedicarse a ello y una constante a la que nunca te terminas de acostumbrar. Pero me temo que no hay otra.

– El arte sacro es una constante en vuestras carreras. ¿Consideráis que el arte sacro fue el arte contemporáneo de otras épocas? ¿Qué lugar ocupa hoy en día?

Lo fue y lo es actualmente en muchos lugares de España, sobre todo en Andalucía. Algo que se está haciendo hoy es arte contemporáneo. Existen INFINIDAD de artistas en activo que se dedican a la imaginería, orfebrería, bordado en oro, talla en madera, dorado, etc. Profesiones que conforman un potente mercado que continúa en Sevilla activo desde el siglo XVI, y con nombres propios que en su faceta alcanzan hoy la excelencia. Nosotros somos parte de ese conglomerado pues es cierto que el tema sacro es una constante en nuestra obra.

– ¿Separáis vuestras creaciones con temática sacra del resto?

El taller o marca Daroal es el conjunto de ambas. Al final una temática bebe de la otra y conceptualmente provienen del mismo tronco, al menos en nuestro caso.

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– ¿Hacía dónde estáis evolucionando artísticamente? ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

No podríamos dar una respuesta clara a ninguna de estas dos cuestiones. El bombardeo es constante en las redes sociales. De un tema vas a otro en segundos, y de ahí a otro distinto, y así sucesivamente. Es un mundo infinito de influencias en las que vivimos y respiramos las veinticuatro horas del día. Influencias de todo tipo, color, creencia, ideología, etc. Intangibles e inabarcables. Nos es imposible escoger una sola determinada. Bien es verdad que por nuestra procedencia andaluza y murciana, supongo que venimos marcados por un espíritu claramente barroco a la hora de crear y de ver la vida en general.

Estilísticamente nos preocupa mucho la excelencia en la calidad del trabajo. Podríamos considerar esto como una meta o parte de una evolución. Lo mismo intentamos en su concepto, que sean limpias por dentro y por fuera.

– Este año la ciudad de Sevilla celebra el 400 aniversario de nacimiento del pintor Murillo. ¿Celebraciones como esta afectan la producción de los artistas locales? ¿Habéis desarrollado algún proyecto en este sentido?

Si, hemos participado en la exposición colectiva #M17 junto a pintores como Jonathan Sánchez, Miguel Ángel González, José Carlos González, Laureano, Díaz Arnido, Isabel Sola, Dani Franca, José Naranjo, Peñuela y Santi León. La pintura figurativa local sevillana esta viviendo un momento de gloria que afecta a muchos ámbitos de nuestra ciudad, sobre todo al cartelístico. Entre estos nombres se reparten los editados hoy con motivo de los principales eventos sevillanos. A nosotros nos llamaron para este proyecto y estamos muy agradecidos por ello.

Obras de taller Daroal en la exposición colectiva #M17
Obras de taller Daroal en la exposición colectiva #M17
Exposición colectiva #M17 en Toledo- Foto ©Ayuntamiento de Toledo
Exposición colectiva #M17 en Toledo- Foto ©Ayuntamiento de Toledo

– A parte del “Año Murillo”, la capital hispalense también encabeza el
listado de los destinos turísticos favoritos de 2018 (según publicaciones relacionados con turismo). ¿De qué manera consideráis que el turismo influye en la cultura y en el arte de la ciudad?

Yo creo que es complicado saber de qué manera puede repercutir eso en Sevilla. Estaría bien saber cuál es el tipo de turismo que se intenta atraer, pero me temo que el inmenso patrimonio tanto civil como religioso de nuestra ciudad, así como el propio Museo de Bellas Artes, segunda pinacoteca española, siempre se impondrán a toda oferta de arte contemporáneo, sin que esto signifique que no deba existir, naturalmente. Todo lo que se haga es poco, pero no creo que Sevilla consiga convertirse en destino turístico en ese sentido, como tampoco creo que lo esté consiguiendo Málaga a pesar de los loables intentos que realiza, aunque los considero una burbuja que por algún lado habrá de explotar, pues en su caso, el turismo imperante es el de sol y playa. La oferta de Madrid en ese aspecto en indesbancable. También Barcelona, Bilbao y Valencia, aunque en sus casos creo que el totalitarismo independentista les está haciendo retroceder muchos puestos. Todo está tan absolutamente politizado que logran aburrir a cualquiera que intente desarrollar su carrera artística allí, si no perteneces a su entramado, claro. Conocemos casos concretos de compañeros que por ese motivo ya han desistido y han regresado a su tierra, o directamente prefieren intentarlo en el extranjero.

– Hablando sobre el tejido artístico de Sevilla, sabemos que hace muy poco se ha fundado la Asociación de Galerías de Arte de Sevilla (AGAS). ¿Cómo valoráis esta noticia?

Muy positivamente, como no podría ser de otra manera. Creemos que el movimiento de arte contemporáneo en Sevilla es INMENSO y cualquier plataforma siempre será bienvenida y necesaria. Andalucía es una tierra muy fértil en artistas, somos una infinidad los que intentamos dedicarnos al arte y Sevilla, como capital de la comunidad autónoma acoge a gran cantidad de ellos. Todo lo que se haga aquí en ese sentido siempre será poco.

 

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